Fotograma a fotograma: "La misión".

Desde que comencé a escribir en internet, una de las películas hacia la que más me inclinaba a tratar era "La misión". Durante este periodo la pereza de revisitarla o la incesante necesidad de abarcar mucho estilos de cine en la página hicieron que me olvidara de ella. Es curioso como los azares profesionales se han entremezclado así , de manera imperativa, estaba realizando un estudio de su temática. Aprovecho aquí para tratar de manera sencilla la cinta en su plenitud técnica y material. La obra de Roland Joffé no sería igual desde la filmación de ésta su segunda película arrastrada por polémica. Si bien la recepción de los espectadores fue un aplauso cuasi unánime no es aplicable dicha  actitud a la crítica. En Cannes no dudaron, mira que la competencia era ardua, en darle el mayor premio además de considerarla mayor logro técnico; los Globos de Oro también la adoraron pero en los Oscar fue galardonada con  la indiferencia, sólo se premió la excelsa fotografía. La crítica en diversos, casi siempre certeros, análisis mostraron un muestrario de opiniones de lo más contrastadas. Es pues un honor poder compartir con vosotros mi humilde opinión, eso sí, requiere tener visionada la cinta.

Fotograma a fotograma: "2001: Una odisea en el espacio".

 «Existen dos posibilidades: que estemos solos en el Universo o que estemos acompañados. Ambas son igualmente aterradoras». Arthur C. Clarke

Tras un largo lapsus en esta sección es mi intención desgranar completamente una de las películas más polémicas de las que se recuerden, no es dicho repaso mi único propósito sino establecer un juicio crítico de  su contenido -para muchos todavía críptico- además de responder al sector crítico más "escéptico" de la legendaria obra de Stanley Kubrick, todo ello bajo mi propio prisma, quizás, igual o más discutible que todas las opiniones ya vertidas. Os conmino pues a debatir en los comentarios sobre vuestra concepción de la película. Dada la extensión del artículo está dividido en secciones para acceder más fácilmente a cualquiera de sus partes: Antecedentes, película, análisis y legado.

"Tropa de Élite"(I y II). El legado de José Padilha.

Corría el año 2000 cuando  se estrenó la ópera prima de Alejandro Gómez Iñarritú, la maravillosa y dolorida "Amores perros" aquella cinta sentó precedente al combinar el género negro más moderno y demenciado ( remembrante de los Coen, Scorsese pero sobretodo del diálogo y narración del aclamado Tarantino y su desternillante "Pulp Fiction") con el cine social más descarnado y realista en el que un México agonizante en todos sus estratos irredimible de un terrible pasado reciente. Poco después, también sorprendería al mundo Fernando Meirelles donde la acción, esta vez lineal, se trasladaba a Brasil reflejando, de manera aparentemente cínica,  el desarrollo de la vida en las favelas a través de la distinta supervivencia en la misma de dos personajes tan antagónicos -graciosamente interpretados- como eran el honrado Buscapé (hilarantes escenas cuando intenta quebrantar la ley)   y el demente soberano Zé pequeño. La cinta inspirada en terribles y cruentos hechos reales fue un certero golpe de conciencia para los espectadores de todo el globo al igual que un ejemplo de cine rotundo, visceral y de calidad. Pocos, a día de hoy, no reconocen el nombre de Iñarritú o Miralles como referentes cinématográficos (quizás más el primero) cuyas cintas raramente carecen de interés.

Wagner Moura es, quizás, el mayor descubrimiento de Padilha.

Cine de verano 2013(II): “El llanero solitario”.

Por necesidades puramente personales mi huida de las salas de cine de verano devino en esta cinta ante el confort de una anónima sala de un centro comercial continuando mi búsqueda del entretenimiento más estival. Basada en el homónimo show de los años 50, recientemente ha llegado la última superproducción de Disney. Producida por el especialista en super éxitos Jerry Bruckheimer , dirigida por el muy irregular Gore Verbivinsky y escrita por Justin Haythe, Ted y Elliot Rosso.

La simiente televisiva.

 Es fácil vislumbrar a estas alturas, sin necesidad de ver ningún avance, que es el mismo equipo técnico que el de la increíblemente rentable saga “Piratas del Caribe”. Aquí también protagonizada por Johnny Depp encarnando a Toro colisionamos con una suerte de batiburrillo de sus roles con clarividente influencia de su acertado y entonces fresco Jack Sparrow. Si bien el otrora protagonista de la serie original ve usurpada, en menor medida de la que la publicidad parece restarle, su importancia en pos de convivir con el rol que ejerce Armie Hammer  dando vida al auténtico llanero del serial "clásico". La elección de Hammer es, posiblemente, el gran acierto de la cinta. Sólo oteando brevemente la filmografía de éste es fácil cerciorarse que cierta parte de la maestría de “La red social” se debía en gran medida a la visceral contención de los repipis gemelos precursores de Facebook en su inmejorable trabajo; también en “J.Edgar”, interpretando un personaje de alta complejidad capaz de plantarle cara a Leonardo Dicaprio en lo extenso de su significado. Consigue pues ser el contrapunto perfecto del extravagante Johnny Depp (curiosamente de descendencia nativa, quizás  justifica en parte la elección del personaje, además -como es habitual en él-  participa como productor ejecutivo).

Cine de verano 2013 (I): "Ahora me ves" y "Los pitufos 2"

Tras un errático año donde un servidor ha intentado escribir con menos dilación de la finalmente resultantes volvemos al clásico cine de verano. En esta ocasión reniego de continuar mi cruzada contra los absurdos programas elegidos o el hecho de que sean capaces, en butacas cada vez más minúsculas, de agrupar a más trescientas personas -calculado a ojo, como debe ser- en torno a una pantalla no adaptada al formato HD de un tamaño inferior a cualquier gran superficie,   haciendo a cualquiera compadecerse de los pobres individuos de última fila,ya que, la sala se llena. Y es que hay pocos impulsos menos atrayentes en los veraneantes que el de acudir religiosamente junto a la familia  al cine,  lo cual con las cintas proyectadas es cada vez más fácil , a  pasar un rato tan espectacular y entretenido como resabido y poco edificante. Al fin y al cabo, el humo mayormente de tabaco, el crujir de las pipas al quebrar su cáscara, el olor a limón granizado, las risas a destiempo,  incluso los ronquidos de nuestros vecinos de butaca bajo la cubierta estrellada nos llevan a repetir una y otra vez .  Evidentemente, en muchas otras salas estivales tendrán más suerte con las proyecciones e instalaciones y desde mi bitácora sólo puedo manifestar una sana envidia.


Sometido pues a la idea impostada de las salas veraniegas como hogar de espectaculares blockbusters, comedias facilonas y películas infantiles en su mayoría, sólo cabe cuestionarse si las películas vistas realmente cumplen con esa primaria y  parece ser tan difícil de conseguir meta. Para ello, en orden inverso al visto por mera cuestión de interés, continuaré hablando de mi primera experiencia este año con las sesiones dobles.

 Un misterioso grupo de magos, llamados los cuatro jinetes (ni en el apodo son originales) especializados individualmente en todo clase de ilusionismos imaginables son elegidos por un ente todavía más oculto comenzando una gira polémica y ciertamente delictiva que tras un atraco de un banco francés comienza su persecución por el F.B.I, una agente internacional y dos adinerados que ven sus intereses gravemente comprometidos.

Dictador de Wadiya, rapero de algún suburbio londinense, reportero kazajistaní o modelo fracasado. ¿Quién es Sacha Baron Cohen?

Sacha Baron Cohen de cuarenta y un años, poco podía prever mientras se doctoraba en historia que en un plazo de diez años iba a ser probablemente uno de los cómicos más conocidos y polémicos de la esfera internacional. Y es que tras realizar su tesina sobre la aportación de los judíos a los derechos sociales se retiró a un kibutz (comuna agrícola israelí) a plantear su siguiente jugada. Con suerte, y tras varios trabajos de modelo y clases de interpretación, consiguió participar en un programa de humor de poco presupuesto. ALI.G.

Es fácil denotar en estos primeros pasos en el año 2.000 buena parte de los caracteres que imprimiría a lo largo de su carrera. El programa que aunaba entrevistas y reportajes se caracterizaba por el espirítu crítico para con los altos mandatarios, a través, de las alegaciones que disfrazado de "cazurro" conseguía sonsacar alguna entrevista sin desperdicio. De hecho, lo más reseñable del humor de este señor es directamente las curiosas formas de las que se vale para conseguir audiencia de sus entrevistados. El extravagente "late show" resultó ser un fénomeno lo cual desdobló la carrera de Cohen en dos vertientes. Por un lado, la necesidad de seguir consiguiendo reveladores concesiones para lo cual requeriría de nuevos personajes y por otro, para costear sus quehaceres una mayor popularidad. Para esto último, a las puertas de américa donde seguiría su "Ali G show in da USA" tres años después, se rodó su primer largo "Ali G  anda suelto" dirigido por el desconocido Mark Mylod y escrita por el propio Sacha y su inseparable Dan Mazer.

Reimaginado a Shakespeare. "César debe morir."

Es inevitable reconocer a Shakespeare como quizás no sólo el genio literario inglés más conocido y alabado sino como el más adaptado en infinidad de soportes. El medio cinematográfico también ha utilizado, desde sus comienzos no sonoros, sus obras como simiente para cintas de manera más o menos explícita (véase la injustamente alabada, sin dejar de ser medianamente rescatable, pese a  traicionar al autor, "Shakespeare in love"). Desde adaptaciones fieles hasta interpretaciones de la vida del autor pasando por infinidad de referentes a su obra. Pero quizás, el fenómeno más interesante sean las adaptaciones "libres" de sus trabajos capaces de producir auténticos milagros o decepciones inertes.Es necesario cuestionarse el motivo de una adaptación y su fin. ¿Permitir que los espectadores aprecien en sus butacas la obra en cuestión como si se tratara de un teatro o experimentar con las formas hasta que la barrera de la autoría sea indiscernible? Es manifiesto que siempre hay términos medios y que de ambas concepciones se pude sacar oro puro. En el caso de William parece que hay una mayor facilidad y estase debe quizás a la intemporalidad y universalidad de su vérsatil obra que permite una infinidad de acercamientos posibles, siendo entre otros muchos otros, una de sus cualidades más destacadas. O quizás simplemente sea un acercamiento suicida a comprender la vida de un completo desconocido cuyo legado es indiscutible. 

El expresionista Rey Lear redescubierto por el gigante Kurosawa. 

"Tesis sobre un homicidio" y "Les Misèrables"

Es curioso, como ambas películas que vamos a tratar incurren  por lo general en los mismos fallos: la desacertada dirección, un flojo sentido rítmico y la innecesaria sobreexplicación, de manera oral, de elementos mostrados en el plano visual, recalcando lo obvio. También es necesario expresar que ninguna de las dos cintas consigue explorar nuevos recorridos ni llevarlo a cabo de manera solvente. Mientras que lo coproducción Argentino-española se estrena hoy mismo, la adaptación de Victor Hugo está más cercana a su venta en formato físico. Por lo expresado, sólo queda intentar averiguar si merecen realmente un visionado o por el contrario es más recomendable huir despavoridos de ellas.

Un antiguo abogado ejerce en el cuerpo docente de la Facultad de Derecho (Ricardo Darín). Con el inicio de un nuevo y   prestigioso máster se reencontrará con el hijo de un amigo que tiene intención de cursarlo (Alberto Amman). Pronto, el profesor se cerciora de la amoral y cruenta psique del alumno. Poco después, a pocos pasos de la misma clase donde ese máster se imparte aparecerá el cuerpo de una joven brutalmente asesinada. Es entonces cuando la mirada incriminatoria del profesor recae en el alumno que, a su vez, le suscita una desmedida fascinación.

 El siempre mágentico Darín  está listo para aburrirnos un rato.

 Resulta sorprendente ver detrás de esta fascinante pero poco original premisa los mismos productores de la sublime "El secreto de sus ojos" que  la cinta  ve como gran reclamo publicitario junto a la estrella argentina que es Ricardo Darín, ganada a pulso en su madurez con una cantidad innumerable de trabajos redondos, donde quizás brillen más sus colaborciones con Campanella, "Nueve reinas" o "Kamchatka". Además se trata de la adaptación de una novela de Diego Paszkowski. Pero hay un gran error, su dirección, el prácticamente desconocido Hernán Golfrid, cuyo trabajo se limitaba a un largometraje cómico.

Puesto que desde el comienzo la cinta muestra siempre la visión desde el profesor, en una narración subjetiva que  son pocas y muy érroneas las veces que se incumple, el peso interpretativo cae sobre Darín. Es más al igual que la holgadamente superior "Un cuento chino" la película es completamente Daríncentrica, parece tallada a la medida y gusto del actor. Nunca consideraré un problema otorgar el peso de la cinta a alguien con el carisma y los rasgos de Ricardo siempre que se nos cuente algo interesante. No es el caso. Darín bebe whisky. Darín fuma mucho. Darín medita. Darín, atención, boxea. Darín "frunje" todo lo que puede. Darín esta conflictuado. Darín se ducha. Darín  es el amo y señor de la enseñanza... Retrasando el ritmo que languidece, progresivamente, llegando a un final vergonzoso acompañado del tedio acumulado.

Buscando oro en la basura: "Mentiras e ilusiones".

Queridos lectores, esta semana os presento una nueva sección del blog, y ya van unas cuantas. A partir de ahora y con cierta periodicidad me sumergiré en el peor cine posible. Sin más. Mi misión no será otra que buscar entre las peores películas jamás hechas con una sola meta, ver si éstas consiguen, siempre de manera involuntaria  hacernos reír un buen rato. El cine cutre ya es un arte en sí mismo, no son pocos los videoclubs de barrio que amueblan sus estantes con infinitas películas de las que no teníamos ni la más remota idea de su existencia. Detrás de ellas, oportunistas productoras se agarran a tendencias explotadas para intentar colarnos sus productos. Y muchos incautos caemos. Ya avanzo que no es mi intención hacer un riguroso análisis de dichas películas, sino más bien un vehículo para la mofa de los elementos más sonrojantes de éstas, vislumbrando eso sí que motivos la llevaron a su existencia y si merece la pena echarle un vistazo en compañía de amigos y buena cerveza. Vamos, que me sacrifico por la causa.

En este iniciático artículo empezamos con "Mentiras e Ilusiones", dirigida en 2009 por Tibor Takács y producido por la cutrérrima NU IMAGE. El objeto comercial de la película son sus dos actores principales, los muy conocidos Christian Slater y Cuba Gooding Jr. ¿Lo habéis adivinado ya? Exacto, esta es la típica película de otroras estrellas intentando pagar las facturas de la luz de sus respectivas mansiones a base de hacer lo primero que les surja. O eso o sus agentes tienen el "descaro" de buscarle los peores papeles posibles, pero el máximo en número, para cobrar a saber que tipo de chanchullos. Hay dos casos más iconicos, y recientes, del movimiento de "estrellas caídas" como son Ray Liotta y el siempre marciano Nicolas Cage, éste último merece un estudio individual. Uno de los aspectos más ridículamente embusteros de la película es su cartel original, mucho ceño fruncido, cabezas flotantes y alguna explosión, dando a entender que la película es un thriller serio. Ilusos. Nada más comenzar la película unos títulos de créditos que mezclan desde Saul Bass, el clásico 007 hasta la televisiva "Bored to Death" nos sorprenden no por su falta de originalidad sino por su aspecto de: "Me salté la primera clase de diseño de títulos de crédito, sí esa donde te enseñaban que es lo que no hay que hacer nunca". Mientras en el cartel la seriegráfia recordaba a seriales del tipo "Ley y Orden" o "Mad Men", en los títulos de crédito no, que va, en estos aparece como una comedia romántica de carácter novelesco. El horror.

"Moonrise Kingdom" Querida Suzy ¿Cuándo?¿Dónde?

Un ligero tavelling sigue los pasos de un pequeño infante cuya meta es dotar de vida a su tocadiscos azul, gradualmente éste se convierte en un plano secuencia donde se nos descubre paulatinamente su hogar conociendo pronto la atípica rutina de la familia, entre ellos destaca Suzy. Mientras escucha unas variaciones de Henry Purcell por Benjamin Britten cautelosa sale de la casa para leer una carta, nos mira sorprendida y empieza la aventura.

 Wes Anderson siempre consigue imprimir en sus cintas un aspecto genuino consiguiendo ser fácilmente reconocible en cualquiera de sus planos.  El sentido estético se traslada a esta cinta de vocación sesentera ambientada en una aparentemente idílica ínsula en Estados Unidos. No son pocos los que tras oír títulos como "Academia Rushmore", "Life Aquatic" o "Viaje a Darjeeling" esputan todo tipo de maldiciones a las cintas y por ende a sus autores, y es que Anderson suele provocar muy contrastadas opiniones desde genio moderno a pedante, pretencioso o vacuo.

Fue en el año 2009 cuando el director sorprendió a un buen número de espectadores con  "El fantástico Sr.Fox", la cinta rodada en stop-motion bajo la colaboración de la compañía Aardman y guionizada junto a uno de sus habituales, el también director, Noah Baumbach destacando por tener un trazado argumental bastante más cohesionado que en sus primeras obras. Puede que sea cierto lo que en la imprescindible Aardman se critica, es decir, la supuesta negación del director a visitar sus estudios y la realización de su trabajo de manera meramente telemática pero es indudable el parecido con la obra anterior del autor. La cinta que hoy nos ocupa  sirve para corroborar esa madurez de Anderson, más preocupado ahora por complementar sus señas con argumentos mejor trabajados sin obviar ciertos toques estéticos para armar las historias con humor, desesperanza, nostalgia, surrealismo y a la vez humanidad. Todo sabiamente mezclado pero no agitado.

En el cento Norton se las apaña para dirigir un campamento para jóvenes scouts
algo me dice que no le saldrá bien.

Diez clásicos musicales en el celuloide II: Michael Nyman.

Ha pasado un largo tiempo desde que escribiera sobre las composiciones de Ennio Morricone en esta serie de artículos sobre la música en el cine. Es indudable que desde el primer momento que lo publiqué tenía en mente el próximo artista, Michael Nyman.

La carrera y el estilo de éste mucho difieren de Morricone, Nyman no se considera así mismo sólo un compositor de bandas sonoras. Es lógico su razonamiento cuando nos cercioramos que tras comenzar en la crítica musical, fundó un grupo de Jazz, con el que sigue tocando, hastiado por el pop de los sesenta y setenta. Además Michael Nyman  compone óperas y realiza discos completamente distintos de lo que vemos en la pantalla grande.

No son pocos los que desprecian el estilo de Nyman, sus trabajos han sido definidos paradójicamente de minimalistas. Rareza producida por dicho término dado a que su inclusión el mundo musical fue de cosecha del propio Nyman, de hecho, le dio fama como crítico musical permitiendole fundar la Michael Nyman Band.

La banda sonora de "El Piano" la más reconocida de Michael Nyman.

Nyman es un compositor influenciado por la música del barroco, tal y como aprendió en el King´s College pero la adición de dicho minimalismo lo convierte en un compositor rupturista cuanto menos. Su obra no sólo ha influenciado ha muchos autores recientes sino que ha sido reutilizada para numerosos programas de televisión y alguna cinta.

La dura autodisciplina de Vincent (Ethan Hawke)
 no sería lo mismo sin la música del inglés en "Gattaca".

Al contrario que en el anterior artículo musical  no busco la selección de diez temas de películas distintas sino los diez temas a mí parecer más representativos del autor, por tanto, se repetirá alguna película. Tampoco pretendo analizar  todas las influencias que ha tenido el autor a la hora de componer. Para presentar su música la vamos a dividir de manera muy lógica: Sus trabajos con Peter Greenaway, cuya relación se ha visto plasmada en más de diez películas, y sus éxitos más conocidos y laureados en el panorama internacional.

"El americano impasible" Asia acariciada bajo un manto de imágenes, sonidos y olores.

"El americano impasible" fue retrasada en 2001, a causa de los trágicos atentados que padeció América a lo largo de septiembre de ese año. Este dato curioso hizo que para muchos, cuando la herida seguía abierta, la cinta por su contenido crítico hacia  el intervencionismo de dicho país en numerosos conflictos "ajenos" fuera recibida de manera muy desigual en su estreno. Ésta  se basa en una obra de Graham Greene, que ya se había adaptada  por Mankiewicz, de manera desigual, maniobra quizás debida  al éxito de la magistral "El Tercer hombre"; con la que comparte de  manera muy similar el desarrollo de los personajes. Es injusto, pese a que desde la llegada de la novela a nuestro país se llame "El americano impasible", porque si hay un personaje que realmente siente, tribula, padece y se lleva por la vis erótica ese es Alden Pyle. Así que desde ahora me referiré a su personaje como el americano silente, adjetivación mucho más apropiada conforme al tono de la obra pero también a su literalidad donde quiet sugiere más que propone.

Para Fowler no hay nada peor que la distancia de su amada Phuong.

La obra se emplaza en Vietnam, a fecha de 1952, cuando en el norte los comunistas se enfrentaban al régimen establecido y defendido por las tropas francesas. En ese contexto, un experimentado Thomas Fowler nos narra desde su persona, a través de un flashback que abarca toda la cinta, la muerte de su amigo Alden Pyle. Conforme avanza la cinta comprendemos que el joven activista americano y el viejo periodista inglés entablan una relación muy particular que devendrá en numerosos conflictos exteriorizados en Phuong, una joven Vietnamita con la que comenzarán un triángulo amoroso.

Le Skylab y The Sessions.

La para muchos musa de los 90, que nos embelesó junto a Ethan Hawke con esas dos maravillosas películas que son "Antes del amanecer" y "Antes del atardecer", a falta del estreno de la recientemente presentada en la Berlinale tercera entrega, comenzó su andadura como directora en 2007 con "Dos días en París" cinta que recorría de manera similar lo presentado por su aparente mentor: Richard Linklater. Pero el fondo de la obra  Julie Delphy acusa un fondo más pueril, con cierto regodeo en la banalidad, costumbrismo galo y creando retratos más familiares que de pareja. Le Skylab es su penúltima película estrenada este verano en España (actualmente su última cinta "Dos días en Nueva York" está en la cartelera de la mayoría de las ciudades).

La inocencia y dulzura de Albertine peligra ante los actos de sus padres.
 Freud podría decir mucho de Delphy viendo esta película.

En Le Skylab se nos presenta a través de una Albertine madura y familiar  recuerda sus años de  infancia cuando de  regreso a una reunión familiar, donde tantos años había estado a lo largo de su vida, recuerda en el viaje como era ella. Esta Albertine no es sino una suerte de Julie Delphy reencarnada donde nos presenta sus memorias en aquella casa cercana al mar. Albertine    celebrando el cumpleaños de su abuela, como todos lo años, descubrirá junto a sus primos sus primer romance y consiguiente desamor a la edad de 11 años. Pronto Delphy con un afán de recordar dicha reunión intercala con sus propias experiencias coralmente la situación de la parte más envejecida de la familia. Pronto temas ideológicos  sexuales, amorosos, sobre la cordura y, en definitiva, las costumbres de los miembros familiares salen a relucir produciendo de inmediato desde la mayor de las camaraderías hasta el rencor más intangible  Eso sí, es notorio que este discurso es más cercano a su yo contemporáneo que posiblemente al de su familia. Lejos de hacer juicios de valor claros, aquí se apuesta por la presentación de unos personajes que en su mayoría se sienten vivos, no es difícil identificar la reunión familiar que se nos propone con la que usualmente uno convive. Si añadimos una manifiesta cariz cómica y una intención de levedad pronto nos encontraremos ante una película cálida, muy fácil de ver.

"Lo Imposible". Disección del Tsunami emocional.

Con una historia relativamente simple, la búsqueda de una familia dividida de el resto de sus miembros tras la catástrofe natural que sobrecogió al mundo en 2004, comienza la última película de J.A.BAYONA.  Fue en 2004 cuando ese Tsunami de proporciones bíblicas asoló la costa de Tailandia conocida por el gran afluente turístico que fue arrasado con una innumerable cantidad de pérdidas materiales y, sobretodo, humanas. En un resort de lujo van a pasar las vacaciones la familia Barnes y es allí donde se ven sorprendidos por la gran ola. Tras esta desastre sus miembros comenzarán la búsqueda del resto y sobretodo la procura de sobrevivir ellos mismos.

De todos es sabido que la cinta de Bayona ha logrado ser la segunda película más taquillera en España de la historia - tras Avatar, Ejem ejem-, habiendo sido los 30 millones de euros que costó y que sólo en nuestro país  fueron ampliamente superados (más de 42 millones recaudados). A nivel internacional se puede destacar su gran acogida en UK y su buena acogida en USA. Habiéndose quedado la película cerca de los 100 millones recaudados. En América con una distribución paulatina no ha cosechado los esperados éxitos  pese a la buena recepción de la crítica, por el hecho de estrenarse junto a muchas de las favoritas para los popularmente trascendentes premios OSCAR. No me cabe más opción,  es completamente necesario, criticar la desfachatez de MEDIASET a la hora de promocionar en nuestro país la película de manera tan masiva, los resultados para los escépticos como yo, acompañados por las declaraciones del "gran" público véase frases recurrentes como: "Hay que bien me lo he pasado, pero he llorado mucho" o los "muy bonita llevate los kleenex al cine es muy triste". Estos pequeños detalles produjeron en mí persona más que curiosidad un rechazo inmediato ante el fenómeno que cual ola gigantesca se llevaba todo a su paso. Algo parecido me ocurrió con "Argo" y todo lo contrario con, por ejemplo, "Le havre", donde con casi sin medios y bajo el principio menos es más se nos relataba una pequeña gran historia, donde el cine se muestra como el fin para mostrar una realidad necesaria que a su vez es imposible (tema  que como ya veremos, de manera más banal pero también expresiva se muestra en ésta cinta).

""El Vuelo". Yo elegí la bebida.

Whip Whitaker -Denzel Washington-  pasa una mala racha. Han pasado varios años desde una ruptura por culpa de su adicción al alcohol. Con el tiempo se ha convertido en un personaje  indómito. Un día, tras una larga juerga se pone a los mandos de un avión, éste por culpa de clima, de su estado intrínseco o puede que del propio Whip -no desvelaré detalles-  se provoca un gran accidente que traerá consigo varias muertes. Pronto se abrirá una investigación para averiguar las causas del choque donde el propio Whip es objetivo de toda serie de acusaciones. Se establecerán numerosos conflictos fascinantes sobre el recto hacer, sus circunstancias -sin son o no determinantes- y la difícil decisión de a quien imputar la  responsabilidad respecto a los difuntos. En ese período, el acusado en un ejercicio de introspección,  rememorará todos los hechos acaecidos a lo largo de sus últimos años y establecerá nuevos lazos con diversas personas. Pero el cristalino Vodka, la rubia cerveza o el aromático Whisky estarán, de manera más que probable incluso cuasifatídica, presentes.

No saben las azafatas el vuelo tan movido que les espera.

A Roma con Amor y Ruby Sparks.

Tras un receso de poco menos de un mes el blog se reactiva. Ha sido bastante casual la elección de las cintas, de hecho, no buscaba establecer un puente entre ambas, pero es innegable que ahí está. Tanto en Ruby como en Roma se nos desarrollan (entre otras cosas) dos historias románticas a los inicios de la etapa de madurez, la narración se ve trufada con ricas referencias, en su mayoría, literarias. Los personajes, en ocasiones, cultivados despliegan su ingenio en numerosas secuencias robándonos varias sonrisas y alguna carcajada. Es digno de mención que Roma con amor nos devuelve a un Woody bastante desenfadado y tan autocomplaciente como esta última década aunque con obvios matices recalcables; aquí, personalmente no hay nada que objetar. En cuanto a Ruby nos encotramos con unos creadores detrás bastante interesantes. Los directores, todavía para muchos desconocidos, Jonathan Dayton y Valerie Faris nos traen su segundo largometraje, tras la entrañable, conmovedora y muy reivindicable Pequeña Miss Sunshine. Pero la verdadera estrella en la cinta es Zoe Kazan, la nieta del genio Elia. Bajo su batuta está un guión, del que ya hablaremos, y la interpretación del personaje más lucido de toda la cinta. La mano de Kazan es mucho más larga que la de los directores en esta cinta de origen independiente. Es pues, una labor interesante contraponer la película de un maestro, mucho más cerca del fin de su carrera que del inicio, con una joven cineasta en ciernes con ideas la mar de bien ensambladas. A continuación una breve reseña de cada película.