Rodrigo Cortés y Ernesto Alterio entre las grandes caras del juzgado. Ellos os observarán como siempre quisisteis.
En la búsqueda de un entretenimiento, o quien sabe si algo con más enjundia, me topé con el corto. Unos magníficos rellena minutos que causan no poca adicción. El formato del corto, pese a sus maestros, siempre se ha asociado a los directores neófitos con ganas de iniciarse en su periplo cinematográfico Y pese a la consabida presencia de posibles contratiempos que hagan replantearse al autor el mero hecho de realizar su obra no son pocos los que han conseguido, a través de este medio, alzarse con el reconocimiento suficiente para rodar proyectos de mucha mayor envergadura siempre será una opción.
Hace poco redescubrí el Notodofilmfest. A diferencia de la primera vez, tuve el suficiente interés para leerme sus bases y ver alguno de sus últimos cortos, o incluso los más célebres. Viendo alguna entrevista me di cuenta de cual era su objeto: Dirigimos todos. Cuenta con varias categorías que pasan de la animación, al documental, pasando por otros de una duración máxima de 30 segundos. Y sus bases son más que permisivas generando el gusanillo en más de uno. El principal motivo para participar es el gran caudal de personas que suelen visitar los cortos (se ha alcanzado en la anterior edición la barrera de los 8 millones de visitas). Pero no tengáis miedo si vuestro corto es modesto o pensáis que es de poco nivel ya que en el certamen vemos que cualquiera puede participar, dando cabida a todo el mundo; algo que jamás se puede dejar de agradecer. Es más que recomendable visitar tanto el canal en Youtube -para ver vídeos de anteriores ediciones- como la propia página web del certamen para ver los contendientes de este año.
El humo es el el que guía esta cinta de encuentros y reencuentros. Paul un escritor últimamente desatinado va a diario al estanco a comprar sus dos cajetillas de tabaco diarias. Allí Auggie reina entra un variado conjunto de sujetos con una única afición: fumar. Un día Paul distraído, cruza la carretera sin alertar la presencia de un camión, es entonces cuando Rashid un joven de color le ayuda. Paul agradecido con éste le ofrecerá cobijo durante un tiempo. A través de estos tres personajes se sucederán historias, unas ancladas en el pasado y otras tejiéndose en el presente, sobre su propia condición. Y por puro azar se trabará una amistad que tendrá como fin limpiar esas asperezas que padecen en su día a día.
Paul Auster es un conocido novelista residente en un barrio de Brooklyn. Smoke fue su la primera vez que codirigió, según que fuentes, un guión completamente suyo. El éxito de la cinta propicio una secuela, rodada en apenas 6 días llamada Blue in the face. Dada la inexperiencia como director contó con la ayuda de Wayne Wang (irregular director, es fácil estimar ésta como su mejor obra) para una mejor puesta en escena, dada su mayor pericia. Es interesante ver como el guión de la cinta es notablemente alterado durante el desarrollo de ésta (para hojearlo, tarea muy interesante para los cinéfilos pinchar aquí ). Por ejemplo: como aparece ahora la nueva división episodica o la supresión de ciertas situaciones que puedan ralentizar el ritmo (como conversaciones con los camareros sobre que comida pedir). El mismo monólogo final sufre un cambio radical tras la sala de montaje (pasando de intercalarse escenas de barrio en el guión a un pleno protagonismo de Harvey Keitel que se vale con sus recursos de interpretación para recrear su cuento de navidad de manera redonda). Por tanto, es importante considerar que estas alteraciones, supongo que de Wang, son aciertos clarísimos que enriquecen a la cinta. La cinta se estrenó en 1995 y dada la necesidad que muchos tienen de clasificar las cosas por géneros podríamos considerarla una entrañable comedia dramática.
Como un viejo amigo del que apenas sabes de él y por el mero azar un día vuelves encontrarle, en cualquier inesperado sitio, fue la mera casualidad la que me reunió de nuevo con esta cinta. En mi memoria dulcificaba aquel lejano primer encuentro, confieso del todo idealizado por mi juventud, del que resulto una completa revelación. Pese al paso del inescrutable tiempo seguí recordando aquella sencilla cinta iraní que prácticamente apenas recordaba. Vagamente podría recapitular dicho encuentro, seguramente auspiciado en alguna red social cinéfila, lo que no puedo olvidar fue la inmediata necesidad, no ya de reencontrarme con ese viejo amigo,sino de compartirlo en esta, mi bitácora personal.
No importa de donde vengas, ni cuan ergonómicos sean tus zapatillas.
¡Corre! tan rápido te lleven los pies o tu voluntad.
Ali es un niño de apenas 9 años, vive en la completa pobreza, un día encargado de custodiar unos zapatos, recién arreglados para su hermana, y comprar unas patatas para la comida del día. Mientras recoge las patatas en el mercado, los zapatos escondidos entre la basura son involuntariamente recogidos por un mendigo entre la limosna. Triste Alí, de vuelta a su casa, confiesa a su hermana Zhara la pérdida de éstos. Tras ser reprimido por su padre, más por la situación económica familiar que por el carácter meramente violento de éste, deciden ambos hermanos (en un ejemplar juego de tempo y contraplanos de cuadernos) el no notificarle la pérdida para evitar no tanto el desembolso a su padre como una buena tunda. La solución consistirá pues, y dada la falta de más zapatos de calle para la niña, de turnarse en su uso para acudir al colegio, separado tanto temporalmente como de emplazamiento. Aún así Ali promete conseguirle a su hermana un par de zapatillas nuevas.... ¿Lo conseguirá?
Oh-Daessu tras escuchar las alegaciones de Brolin sobre el remake de Old-boy.
Me encantaría y voy a intentar, redactar este artículo de manera constructiva y objetiva ¿Difícil? Mucho, señores, mucho. He decidido antes de embarcarme en otras grandes películas, durante esta y la semana pasada, ver ciertas cintas comerciales a las que realmente tenía ganas, independientemente de su calidad. Desgraciadamente ellas me han abocado a escribir esto. No siempre sucede pero cada vez se realizan más cintas con intención de sacar provecho económico a películas de renombre o consabida fama. Pese a que todas las figuras están relacionadas, hay cintas que incluso consiguen reunir varias de estas características resultando un galimatías prácticamente inaguantable, en la mayoría de las ocasiones, vamos a intentar aborda individualmente este tipo de cintas.
Michael Corleone mirando al frente, de lo únicos que debería hacerlo.
Remake y Reboot.
Pese a lo que puede considerarse una práctica reciente, la figura del remake -es decir re-hacer una película- se anticipa a las mismas antípodas del séptimo arte. Fijemos por ejemplo en el cine histórico, una de sus cintas clásicas Ben-hur fue realizada primero en 1925 por Fred Niblo y en 1959 por William Wyler. En ese espacio de tiempo la de Wyler cambió numerosos elementos técnicos entre ellos el necesario uso del color, siendo ésta a día de hoy una obra de importancia capital. Con Ben-Hur comprendemos lo que es el buen re-make, aquél que adopta una premisa, aprovechada con relativamente éxito pero mejorable. Redimensionada bajo las mejoras tecnológicas, nuevas técnicas de dirección o interpretación para conseguir un producto de mayor calidad.
"Y cuando él abrió el séptimo sello, fue hecho silencio en el cielo casi por media hora.Y vi los siete ángeles que estaban delante de Dios: y les fueron dadas siete trompetas.
Y otro ángel vino, y se paró delante del altar, teniendo un incensario de oro; y le fue dado mucho incienso para que lo añadiese a las oraciones de todos los santos sobre el altar de oro que estaba delante del trono. Y el humo del incienso subió de la mano del ángel delante de Dios, con las oraciones de los santos. Y el ángel tomó el incensario, y lo llenó del fuego del altar, y echólo en la tierra; y fueron hechos truenos y voces y relámpagos y terremotos.Y los siete ángeles que tenían las siete trompetas, se aparejaron para tocar. Y el primer ángel tocó la trompeta, y fue hecho granizo y fuego, mezclado con sangre, y fueron arrojados a la tierra; y la tercera parte de los árboles fue quemada, y quemóse toda la hierba verde.Y el segundo ángel tocó la trompeta, y como un grande monte ardiendo con fuego fue lanzado en la mar; y la tercera parte de la mar se tornó en sangre. Y murió la tercera parte de las criaturas que estaban en la mar, las cuales tenían vida; y la tercera parte de los navíos pereció.Y el tercer ángel tocó la trompeta, y cayó del cielo una grande estrella, ardiendo como una antorcha, y cayó en la tercera parte de los ríos, y en las fuentes de las aguas. Y el nombre de la estrella se dice Ajenjo. Y la tercera parte de las aguas fue vuelta en ajenjo: y muchos hombres murieron por las aguas, porque fueron hechas amargas(...)."Las profecías del Apocalipsis, capítulo 8º versículos 1-11.
El cielo y unos coros lúgubres dan paso al mar y una pequeña playa colindante. Con este fragmento (desarrollado tal cual, al final de la cinta) se abre la su 17º cinta -1957- de Ingmar Bergman. Antonius Blovk vuelve tras diez años de cruzadas a su Suecia natal. En ese mismo viaje tendrá la revelación de una obstinada muerte que le retará a una partida de ajedrez. Si ganase quedaría libre del camino de ésta.
Es con esta película con la que estrenamos nueva sección ( y ya van...), con "Plano a plano" vamos a realizar un estudio pormenorizado, dentro de lo posible, de cintas inolvidables e ineludibles para cualquier cinéfilo. En estos análisis se destriparan los guiones de cintas consagradas, por ello es conveniente conocer primero la obra y tener una opinión propia de ésta (para comentar posteriormente). En estos artículos se analizarán las cintas en su totalidad alumbrando los rincones más oscuros para los espectadores menos avezados desde la visión de un no-profesional pero estudioso de éstas. Por ello se prima no la abstracción en el artículo per se para resolver, tarea arduo difícil toda la complejidad de las cintas sino mostrar desde una perspectiva asequible el significado general de éstas. Es imprescindible, en este caso, comprender que el ritmo pausado y la actitud contemplativa de la cinta, no sólo es intencionada sino que es imprescindible para su comprensión. Su escenificación pictórica y la aparente pasividad de los personajes han aletargado ha muchos de sus espectadores potenciales. Debéis darle una oportunidad al Séptimo Sello, es una película enorme. Además el Séptimo Sello dada lo conocido de su ambientación (siglo XIV) y lo arraigado en la sociedad de las dudas de su personaje principal es la manera más sencilla en iniciarse en uno de los directores, sin duda, fundamental del séptimo arte.
En este vídeo podeís observar la fuente de inspiración y la opinión de Bergman sobre su cinta.Tras el primero encuentro entre la Muerte y el cruzado:
Tras ese memorable primer encuentro con la Muerte, (inolvidable Beng Ekerot), Antonius Blovk -habitual de Bergman - y su escudero Jons, Gunnar Björstrand, se encaminan a una pequeña aldea. Ya en estas primeras conversaciones se pueden definir el carácter de los dos personajes principales. Por un lado el señor, es un hombre de Fe, riguroso y con grandes principios. Todos ellos se cuestionan en este viaje de regreso siendo su principal temeridad , no la muerte en sí misma sino el devenir del alma tras ella o su extinción a la más simple nada. Siendo estas cuestiones metafísicas el principal eje del film, nunca mejor representado que en esos numerosos duelos interpretativos , brillantes como el texto que los acompaña, que se desarrollan en la partida de ajedrez; Entre el cruzado y la Muerte. Por otro lado, Jons (traducido como Juan, la nomenclatura de los personajes nunca es trivial y siempre son alusiones bíblicas), ha llevado una completamente contraria a la de su señor. El no se plantea el devenir del ánima sino que se aferra el mundo tangible, ontológico sin temeridad del futuro, representando, en parte, el Carpe Diem.
El ajedrez se convierte aquí en el juego de la vida. Ya está para jugar la partida se había acabado antes de empezar.
De camino a la aldea pasan al lado de un pequeño campamento. Allí como nómadas nos encontramos con José, María y Jonás. Un joven matrimonio que alude también a la huida a Egipto de los personajes bíblicos. Mencionar aquí el manifiesto ateísmo del director sueco, para no caer en un interpretación que aunque plausible se aleja de la concepción fílmica, interesándonos las dudas y no la existencia de demiurgo alguno. José (Nils Poppe) es un joven artista que junto con su mujer (Bibi Andersson también fetiche del director) erra de pueblo en pueblo. Él es capaz de visionar lo que va a ocurrir (la virgen y el niño, buen presagio). Todo lo relativo al matrimonio y su joven retoño está envuelto en un halo de luz y felicidad. No es trivial, como ya veremos. Por otro lado, Jonás es la nota discordante del grupo. Como veremos se diferenciará aquí dentro de los propios artistas: Los puros y los deshonestos (siendo los últimos condenados por la propia Muerte).
Ya de vuelta en la Iglesia la cinta se subdivide: Por un lado el escudero junto a un pintor (el mismo que fue la inspiración de la obra de Bergman) debaten sobre la sociedad actual y las miserias. La plaga negra (peste bucólica) es aquí definida tras un contacto visual previo. Y la crítica a la Iglesia se manifiesta en numerosas frases. Finalmente en una canción a modo de sorna se muestra, Juán el escudero, ajeno a la religión imperante en la Edad Media.
La Muerte alarga su brazo y una larga sombra acecha a el Cruzado; éste la retará a una partida inolvidable. Ésta personificada como en la tradición pictórica medieval es perpetrada por un Beng Ekerot en estado de gracia.
¡Te voy a dar tele de calidad! Grita Walter White.
Otra vez hablando de la pequeña pantalla en Toto y Alfredo, en mi defensa diré que cuando se hace bien realmente están difusos los motivos para criticar (destructivamente, claro) la programación de ésta, bastante discutible en España, pero sin ser excesivamente pobre. En nuestro país se pueden salvar la programación, en su mayoría, por el apoyo a la cultura o el tratamiento de temas más interesantes en La 2. De la calidad de los noticieros dependen mucho la cadena que visionamos y también el día, siendo normal ver en cierta cadena un telediario que tras una noticia de atentados y otra de prostitución se dediquen media hora al fútbol dejándose en el tintero noticias más relevantes, siendo usualmente la cultura esa gran perjudicada en pos de pan y circo. Otros aprovechan para pronunciarse por un partido político, etcétera. Aún así podríamos decir que cumplen su función bastante bien y siendo junto al canal citado (recordar aquí, que tanto estos artículos como todas las imágenes y citas tienen todos los derechos reservados a sus correspondientes autores y cuyo copyright no es infringido en este blog ni tampoco es lícita la copia de sus artículos) lo más destacable. Sin salir de la televisión pública veamos muy muy sucintamente lo que ofrece.Pese a que suelen ser recientes, no se busca en ningún momento la retransmisión del cine como vertiente artística (menos con los recortes debido a la penosa situación del país), siendo la mayoría de las cintas reservadas al prime time meros vehículos de evasión, que suelen cumplir bien con su cometido. Podemos destacar aquí el esfuerzo de La Sexta 3 y Paramount Channel por ofrecer algo distinto. Esfuerzo tremendamente loable y necesario que sólo tiene una tacha: la repetición. No es legítimo pedir mayor variedad en las cintas, ni que se emitan las películas más "interesantes" en un horario más asequbile. Pero es necesario pedirles que intenten, al menos en la medida de lo posible, no emitir una misma película 3 veces la misma semana , como ha ocurrido con "El paciente inglés" o "Hasta que llegó su hora". Prefiero evidentemente esta iniciativa, que realmente me parece genial, pero una mayor variedad y la inclusión de más cine clásico sería ya el acabose.
El Agente Cooper adora el café, después de un día duro de investigación prefiere sumirse en una de sus ensoñaciones que ver ese reality insoportable.
De los programas de entretenimiento podríamos dividirlos en 2: los buenos y los deleznables. Hemos tenido efectivos representantes del late show, incluso de media tarde, en España, esto es indudable pero la presencia de la prensa "rosa" es , a todas luces, tremendamente excesiva, horripilante. Y es que entre el fútbol (deporte muy noble, sin dudarlo) y la prensa "rosa" nos encontramos con una televisión copada por unas programas que no le permiten a esta sociedad concebir el mundo con una visión mucho más amplia, estando tristemente parte de ésta embebida en unos temas menos trascendentes de lo que creen. Para colmo la sombra del reality show es alargada;mientras MTV nos bombardea con de todo menos música (Los Shore encabezan el cáncer muy de cerca seguido por Mujeres y hombres de la 5) son otros canales los que nos meten en uno de los tipos de reality más raros: los profesionales. Tan curiosos como preparados y forzados ver las grandes pujas, embargos o dios sabe que se han convertido en un plato rápido, fácil y ,en el fondo, gilipolletinesco que tan humildemente exporta el amigo americano. Y no abogo por su completa eliminación, ni mucho menos, pero sí por la moderación, pudiendo introducir más programas de investigación (bien fundamentados y no sensacionalistas, que también tenemos unos cuantos) y temas prácticamente tabú (música clásica, literatura, cómics, viedeojuegos, historia, filosofía, más y mejor biología, medio ambiente, gastronomía....) que están reducidos a la 2, que teniendo una gran programación es insuficiente (un sólo canal, una sola opción) para satisfacer nuestra curiosidad.
Michael Blüth tiene televisión en la casa piloto donde vive su familia. Es de lo poco que funciona en la casa, no es de extrañar.
Joaquín Reyes, genio y figura. ¡Cuida esa boca, hombre!
Dado la reciente internacionalidad del blog y con ánimo de estimularla explicaré esta historia desde su inicio, lo cual me hace recordaros que al final del artículo podéis dejar vuestro comentario para que contrastemos opiniones , hasta ahora utilizados muy escasamente.
Érase una vez un grupo de estudiantes de Bellas Artes reunidos en una misma universidad, fue entonces cuando el grupo (según ellos por la poca "diversión que ofrecía el lugar) decidió dedicarse a eso de la comedia. Con ese gran programa de nuevos cómicos de Paramount Comedy, el cual dudo que siga y debería hacerlo, probaron y suerte. Tras unas brillantes intervenciones el grupo (y bajo la dirección de un inspirado Joaquín Reyes) comenzaron a emitir un programa de sketches tan absurdo y delirante como en ocasiones enormemente gracioso. Aquí brillaron especialmente el propio Reyes y , quizás el mejor monologuista actual, Ernesto Sevilla. Muy recordados son los Testimonios o personajes tan bizarros como Marlo (una suerte de Brando de pueblo dedicado al late show), el gañán o bocaseca man -seguramente ahora con el auge del género tenga más gracia si cabe, o lo¡as ocasionales , y muy buenas, apariciones de Julián López y su hombre mierda, por ejemplo. Conforme pasaron las temporadas Areces y Cimas fueron apareciendo dando forma a un grupo de cómicos sin par, de hecho nunca dejaron de hacer sus "bolos" por bares y demás zonas de monólogos, algo que conservan y donde han demostrado gran maestría; llegando a ser de los más solicitados y con mejores resultados en el irregular programa: "El club de la comedia".
El cast de coconut de izquierda a derecha, con doble ración de Areces: Raúl Cimas, Julián López, Carlos Areces, Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla.
Una sala iluminada llena de butacas todas iguales y según la sala escalonadas de una manera u otra. Tamaños diferentes, tiempos distintos pero un mismo hecho: el cine. La sala se oscurece y todavía se oyen algún murmullo y alguna risa, vienen los trailers donde según como sea la película que se muestran manifiesto mi mucho interés o las vapuleo sin piedad. Silencio. Y empieza la magia. Estas son las dos películas de las que he disfrutado en muy buena compañía esta semana en una sala de cine. Puede que ninguna de las dos sean obras de gran complejidad narrativa pero son sus buenas formas las que las elevan por encima de sus respectivos géneros.
Looper.
Dupilicdad y viajes en el tiempo.
Esas dos 00 no son tan arbitrarias como parecen.
Si el dibujante es incapaz de entender su dibujo
¿Cómo va a ser capaz de recrearlo?
Te encuentras con un día encapotado, fuera hace frío y no estás para nadie; prometiste un artículo del Séptimo Sello y no tienes prisa en hacerlo, te das de bruces con tu blog en el que llevas una semana sin escribir y parece que nadie se ha percatado. No hay motivo. Llevas un tiempo revisando en Twitter la visión de los "artistas" y de toda clase de críticos y te abruma. Te das cuenta que en la red, y fuera de ella, hay mil articulistas hablando todos de las mismas películas, los mismos directores y las mismas noticias hasta el punto que incluso participando en ellos te olvidas de que esa visión parcial tan reiterativa empieza influirte. Pronto abres ese blog que siendo uno más es el que te pertenece, tuyo y de nadie más, y decides hacer los mismo pero al contrario.
La partida, por mucho que se retome,
llevaba mucho tiempo jugada.
Nathan Fillion como Malcolm Reynolds. Carisma y buen humor.
Es la primera entrada en Toto y Alfredo sobre la pantalla "pequeña" y no será la última; se están haciendo cosas muy grandes para ésta como para obviarla y de la que espero hacer varios estudios en profundidad próximamente porque si al final algo está claro es que cosas como "Arrested Developement" o "Breaking Bad" no sólo son cine puro sino que también son rotundo arte.
Firefly. 2002.
Piloto hora y media más 13 caps de 40 min.
Capitán y tripulación, pese a pecar de no demasiado profundos, el tratamiento de los personajes es lo mejor de la serie.
Inicio con esta entrada un nuevo tipo de artículo en Toto y Alfredo. En estos artículos propongo un ejercicio de interacción y reflexión con las grandes -conocidas o ignoradas- bandas sonoras de la historia del cine. Para ello utilizaré 10 cortes de diferentes BSO que tengan algo en común, por ejemplo il "maestro" Ennio, música indígena o grandes canciones rock en el cine. Me gustaría que en los comentarios mostraseis vuestra opinión sobre estos cortes: que os trasmiten, que os parece respecto a su uso en la cinta o lo que más os guste. He decidido comenzar con Ennio -sin ánimo de redactar el enésimo artículo biográfico, para eso pinchar aquí- dada no sólo su popularidad, su variedad, su influencia en el mundo de la música en el cine; nada de eso, he elegido a Ennio por la magia que desprenden esas "tracks" orquestales que erizan el vello al mas indolente. Cierto es que en sus más de 500 colaboraciones abundan trabajos alimenticios o menos inspirados (siempre se me viene a la cabeza el anodino trabajo realizado en la divertida "Atáme" o el quizás sobrecargado en exceso en "Agachate Maldito"). No hay duda que Ennio es uno de los grandes, de hecho personalmente quizás el más variado y rico autor cinematográfico No hace mucho leí en un blog de música clásica los reparos que Welles y Kubrick ponían a utilizar música que no fuera clásica (ya de los directores "dogma" ni hablamos, que no añaden música en absoluto) y cómo éstos utilizaban con fines distintos estas composiciones para que sus obras sean más solemnes o incluso con humor ( Véase "El Proceso", "Barry Lyndon" o "La naranja Mecánica") fue uno de ellos (Welles si mal no recuerdo) el que sólo valoraría el uso de música compuesta ex profeso si era a cargo del italiano, acusando la incapacidad de los compositores coetáneos de crear algo digno -o con la variedad y extensión- de las obras clásicas. Volviendo al inicio, mi intención con estos artículos también estriba en reivindicar la música de el y en el cine , al revés que ciertos autores, y la influencia que han tenido en la sociedad ésta, incluso trascendiendo la música de la cinta en la que se albergaba (Por ejemplo desde "Grease" a "El último emperador" pasando por "Titanic").
El bueno, el feo y el malo. 1966.
Ennio Morricone llevaba varios años cuando de repente emergió como un abanderado de la música en el cine. Acostumbrado al estancamiento del Western americano fueron unos cuantos directores (rodando los exteriores básicamente en Almería y los interiores en los míticos estudios de Cinecittà, paradojicámente quieren ser -o han sido- demolidos en pos de una irrefrenable operación inmobiliaria) decidieron romper los arquetipos consagrados, posteriormete sobrexplotados, de los personajes que encarnaban ideales básicos como el bien, el heroísmo, la maldad, la justicia o la honradez. La música de aquellas cintas acusaba de un segundo plano -en la mayoría de los casos- y solían caracterizarse por unos títulos de crédito iniciales -a veces repetidos al final- con canciones americanas típicas (country e incluso cánticos mineros). Ennio hizo lo contrario, permutó aquellas canciones populares en grandes composiciones orquestales; fue el gran compositor del nuevo subgénero: Spaghetti Western. Destacaron aqui sus colaboraciones con Sollima, Corbucci,Petroni y muy especialmente Sergio Leone. A continuación el éxtasis del oro (ejercicio del in crescendo y fantásticamente acompañada de voz y coros) acompañamiento de uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine en una película sobre la aventura, la picardía, la guerra, los ideales y con un concepto de violencia estilizada y artística como nunca había habido hasta Leone.
Este 2012 ha sido un buen año para la cosecha cinematográfica en España. Las vides de: "Otro cine se puede hacer" de Alex de la Iglesia han madurado y no son ya pocas las cintas que tienen un interés más que relativo, más allá de los auteurs consagrados. Mientras los críticos alaban, a veces parece que en exceso, las últimas producciones españolas; otros críticos o blogeros en un afán metacrítico se enfrentan a la conducta tachada como de excesiva indulgencia -algunos incluso de vendidos- bajo la necesidad de exportar un producto que no se consume tanto como se debería, dado a un precedente parcialmente nefasto, lo que me parece relativamente justificado (ambas actitudes). Desde Toto y Alfredo me pronunciaré, desvinculado de otros medios, de unas películas no ya estrenadas sino que no plenamente actuales ni tending tropic de mediados de 2012. Viviendo ahora la fiebre de "Blancanieves", "El Artista y la modelo" o esa locura aparentemente rancia de "Madrid Days". Las cintas de las que trata esta entrada tienen ante todo una cosa en común que la caracteriza: Sevilla. Pero no Sevilla como ciudad sino que es una Sevilla como España, Sevilla como muestra de música, caña, tapa, folklore y ,por qué no, costumbrismo.
Cosplay "legendario"de alguno de los mayores héroes de la viñeta
que levantan pasiones a todas las edades.
Es una maniobra muy interesante de abordar el
fenómeno de películas basadas en un cómic o en héroes creados expresamente para
la ocasión. El género se caracteriza por unos rasgos muy característicos, en
general, se nos habla de un personaje normal que de un modo u otro adquiere
unos grandes poderes que lo convierten en único y capaz de defender mejor que
nunca sus ideales. Normalmente, se le contrapone algún villano cuya ideología
es justo la contrapuesta con éste estableciendo así una rivalidad expresa.
Normalmente la estructura consta de: una
introducción y presentación de los poderes hacia el personaje, en ocasiones,
una subtrama romántica y generalmente el enfrentamiento de recibo a su némesis
en el que el héroe que representa los grandes ideales del bien, la justicia y
el sacrificio –por ejemplo- derrota al villano que supone justo lo contrario.
Pese a su paso por televisión, el verdadero boom
no comenzó hasta la llegada de “Superman” de Donnen. Este esquema fue
resucitado por la Marvel con “Spider-man” que nos muestra el género a su nivel más sencillo.
Si por algo se caracterizan los personajes de la Marvel es por “adaptar”, por
decirlo de alguna manera, personajes clásicos de la literatura u otras
manifestaciones y convertirlos a la esencia pop del cómic (y que ahora invaden
nuestras pantallas). Hulk y su Bruce Banner es en buena medida una adaptación
libérrima del “Jekyll y Hide” de Stevenson; el Ojo de Halcón sería una suerte
de Robin Hood; Thor no es más que una “marciana”
interpretación de la mitología nórdica… Otros surgen de una situación social a
la que se alude de manera análoga, Luke Cage representa el espíritu de los
oprimidos de color de la sociedad estadounidense y los X-men –que gracias a la inclusión
de efectos digitales creó escuela y es en gran medida la madre de las cintas de
género actuales- muestran a todos los
discriminados en un solo conjunto (los mutantes son seres diferentes que buscan
la igualdad, esto en los sesenta son “negros”, “mujeres” o “gays”) De hecho, es
sabido, la especial implicación del director y un miembro del reparto –lo que
quizás hizo que fueran mejores películas- al ser su homosexualidad manifiesta
convirtiendo la película en un alegato –que aúna brillantemente mensaje y
espectáculo- de igualdad. Otros como Daredevil representan la justicia aunque -valga
la redundancia- la cinta no fue muy “justa”
con el tratamiento del personaje.
A un segundo nivel nos encotraríamos el primer “Batman”
de Burton (la estética combinando el goticismo con la decadencia industrial) o “El
caballero oscuro” de Nolan (todo lo contrario, una mezconlanza de géneros
cuasikistch que representaba el terror de una nación) cintas que abordan con
algo más de profundidad los esquemas anteriores. Seguidamente nos encontramos
con cómics atípicos como Ghost Town, Scott Pilgrim (ambas sobre el paso de la
adolescencia a la madurez y con muchos elementos cómicos) o American Splendor
(con una interesantísima visión de un autor y su interacción con su pareja y
medios, encarnado por un genial Giamatti para este biopic que se alejaba del cómic de base). Más cercana a público
únicamente adulto –en teoría- podríamos encontrar otro acercamiento como en “Sin
City” (una suerte de “Pulp Fiction” “romántica”),”Oldboy” (la rotunda pero imperfecta
adaptación de un manga donde las formas combinaban thriller, utraviolencia y
artes marciales para convertirse en una tragedia griega) o “El protegido” (que
fue una de las primeras cintas tipo cómic que no se basaban en ninguno, más
allá de sus resultados).
Toto(Jacques Perrin) invadido por la nostalgia que el cine y el imposible retorno le producen a través de la cámara de Tornatore.
El término acuñado como metacine no indica más que el cine que muestra cine en sí mismo. Cuando dentro de un encuadre se halla una referencia a el género en particular o a una cinta concreta y se nos muestra alguien viendo una película o rodándola podemos hablar de metacine en sentido estricto. En todo caso, es imposbile obviar otro tipo de referencias cinemátograficas dentro de un film de modo más amplio, el que llamaremos metacine extenso, conformado por referencias, cameos u homenajes. En sentido global podemos entender que el metacine es una metaficción (gracias wikipedia, atiendan al contenido de ese artículo que no tiene desperdicio).
En Madrid nos encontramos la metaficción pictórica. El cruel rapto de Europa -Ruebens-, al ser representado por Aracné ve su significado complementado, ampliado y trastornado bajo la mirada de Velázquez.
" A mí queridísimo, y ahora un tanto lejano, Andrew Brimhall arqueólogo, aventurero, cinéfilo y cazador de serpientes".
Fleming escribió Casino Royale
"inspirándose" en las vivencias
tenidas en el de Estoril.
Ayer día 5 de octubre de 2012 se celebró el día Bond. Éste se sustenta en el 50º aniversario del ya lejano estreno de ese cláscio que es "James Bond contra el DR.NO". Aquella cinta serviría de pilar sobre el que sustentar una saga de intriga con mujeres, coches rápidos y acción trepidante. El personaje tiene origen literario en 1952, donde su autor Ian Fleming, como muchos sabrán, le denominó homenajeando tal como a un ornitólogo conocido suyo. Mi experencia con el agente secreto del MI6 se remonta a un ciclo de CANAL+, durante una emisión en abierto; yo, que apenas superaba los 7 años,devoré literalmente la primera etapa de Connery y las tres primeras cintas de Brosnan. Con los años he visto el resto teniendo pendiente todavía dos cintas del famoso donjuán. Mi intención con este artículo es homenajear a la saga interprete a interprete y facilitar el visionado de las cintas más interesantes para los que esperan con ansia la ya inminente SKYFALL.
Pero antes es necesario matizar como James Bond se ha convertido, más allá de los valores cinematográficos en todo un icono pop con multitud de merchandising y ha entretenido a varias generaciones con sus aventuras imposibles. En sus películas siempre ha habido grandes villanos, gadgets absurdamente fascinantes y repartos con apariciones estelares. Todo hombre ha fantaseado con llevar una vida como la del agente llevar su ropa, conducir sus coches, conocer esas hermosas mujeres, etc (de hecho debido al product emplacement que abunda en sus cintas, por el que las compañias se pelean por sacar sus productos en las cintas, se puede imitar al agente, al menos de fachada). ¿Pero más allá de la disuasión, hay algo de arte en el agente británico?
Gore y Giallo. 2 términos que empiezan por la misma letra y que guardan mucho en común. Ambos son, incontestablemente dos subgéneros cinematográficos y ambos suelen ser sistemáticamente arrasados por los críticos. El problema de estos subgéneros es, sin la menor de las dudas, el público al que aparentemente va dedicado: gente a la que le gustan las viscerías y la casquería a cascoporro ¿A qué clase de descerebrado puede gustarle eso? Curiosamente, opino, que ambos han dejado una impronta, más con su estilo y tratamiento de la violencia que por los méritos propios de sus obras, indiscutible en el mundo del celuloide. Se dice que un film es gore o con elementos de esta índole cuando una cinta exacerba tanto la violencia que es sencillamenta íncreible o inverosimil, no ya sólo por lo demencial de las maneras, sino porque literalmente las víctimas de esta cinta no tienen tanta hemoglobina como la que salpica la pantalla. Pese a que muchos engloban el gore dentro del terror creo no sorprender a nadie que se ha convertido en una característica de muchos films de acción, drama, bélico y que en muchas ocasiones han servido para focalizar y enfatizar en una escena o situación. Sin duda alguna en el cine de serie B y dado sus pocos medios, poco a poco, esas cintas de terror se fueron volviendo humorísticas utilizando el exceso de vísceras más como elemento de humor, negrísimo, que de costernación como las archiconocidas: "Re-Animator", "Evil Dead" o "Tu madre se ha comido a mi perro".
El Giallo es un subgénero de la rama del cine de terror mucho menos extendido (de hecho, pocos autores o legado tiene en comparación). Este trata historias terroríficas y terribles, normalmente de contenido diabólico vease posesiones o akellares sacadas de unas historietas italianas caracterizadas por sus cubiertas amarillas. De hecho Giallo no es más que el correspondiente amarillo en la lengua de Fellini. El legado del Giallo es más influyente de lo que pueda aparentar como se señalará más adelante.
Para entender estos subgéneros lo mejor es atreverse a sus indigestas e inmorales proposiciones, es un cine para gente sin prejuicios de ningún tipo y tampoco muy exigentes, pero necesario tanto para gafapastas como para los cinéfilos más curtidos. Voy a hablaros hoy pues de dos de las cintas más importantes de estos géneros y que su influencia se extiende más allá.
Las cabezas flotantes llegan a "Los Juegos del Hambre".
No es el único con aspecto rockero del film,
de hecho es de los más comedidos.
Uno de los más grandes e importantes blockbusters del año llega a este blog. Es curioso hablar de este film ahora cuando se están estrenando films mucho más interesantes, pero dado su carácter entretenido y comercial puede ser un buen descanso entre Woody y Dominik, o entre Verdú y Rochefort. "Los Juegos del Hambre" se basa en uno de los últimos grandes bestsellers escrito por Suzanne Collins. El guión gira entorno a una competición en la que unos aspirantes (normalmente forzados) en representación de sus distritos luchan a vida o muerte para ganar un juego macabro y cruel. Está protagonizado por una más que notable Jennifer Lawrence, niña pueblerina muy sufrida que se ofrece voluntaria para evitar que un ser querido vaya a estos juegos y por Josh Hutcherson como representante masculino del distrito. En el resto del elenco hay muchas caras muy conocidas como Donald Sutherland que hace de presidente en funciones y apenas tiene peso en la trama (parece ser que lo va a ir ganando progresivamente en la saga), Stanley Tucci hace de presentador cínico, papel algo más aprovechado pero podía haberse explotado más. Mejores utilizados están Woody Harrelson -haciendo un papel que ya ha interpretado más de una vez-, Elizabeth Banks (pese al vestuario y maquillajes excesivos), y la novedad: Lenny Kravitz, el cual tiene una presencia que inunda la pantalla pero es limitadito como actor. Hay más actores jóvenes muy conocidos y algún pseudo-cameo como el de Toby Jones.
Perdonar por la distribución de las imágenes pero: ¡Estamos trabajando en ello!
Tras un pequeño receso, debido a problemas técnicos, vuelvo a la carga con esta mi tercera entrada.
Mientras dura la resaca que proporciona el bombardeo mediático de la TVE dedicado all festival de San Sebastián con sus estrellas, sus iconos y la poca seriedad y compadreo que desprende, eso sí han conseguido un plantel de invitados y films absolutamente magnifícos. He decidido salirme por la tangencial con una nueva reseña que pese a ser completamente distinta proviene de la misma ideología cinematográfica y su famoseo, que en este caso, en el fondo, más que realzar hiere al séptimo arte.
Es curioso, una entrada al cine de verano de mi localidad cuesta 5,50 euros e incluye:
-El "visionado" de 2 cintas.
-Un lugar donde "acomodarse" para el correcto desempeño del primer punto.
-Un equipo de proyección y sonido más que competente.
-Y por último, un lugar donde ver los últimos blockbusters en el fragor popular sin tener que conducir demasiado lejos de la residencia.
¡Bienvenidos a mi humilde blog de cine! A través de las sucesivas entradas voy a intentar expresar los elementos más destacados tanto de películas icónicas como de las últimas novedades. Evidentemente, al no ser un maestro de la materia, sólo un fiel aficionado, me encantaría que colaboraseís conmigo mediante vuestros comentarios, siempre que estos sean respetuosos para con la obra analizada o el blog (sin aparcar el sentido crítico, eso nunca).También ha de estar razonados y no ser simplemente una expresión genérica como pasa tanto en otras páginas.
Básicamente el blog estará estructurado en 4 tipos de artículos:
Críticas: Reseñas de duración media que describirán los contenidos de interés de un film sin desvelar los giros más importantes del guión del film, y pese a destacar las características técnicas no desvelar los mayores secretos del film, aunque puede que ponga algún spoiler avisado. Este tipo de artículo lo emplearé en los filmes más modernos. Puede que, si los films me parecen poco relevantes o muy manidos, les haga una reseña en cojunto bastante sucinta.
Análisis: Estudio pormenorizado de grandes filmes. La función del análisis es, al contrario de la crítica, para visitar tras el visionado del film. Su principal función es mostrar la influencia, los elementos técnicos más pequeños y los rasgos del guión al detalle. Este es el tipo de artículo donde los comentaristas tenéis más interés en contraponer vuestra opinión a la mía, matizar algún detalle o suscribir lo dicho. Así estableceremos un diálogo/discusión bastante interesante.
Cartas: Estas serán meras reflexiones sobre la situación actual del séptimo arte, en teoría irán dedicadas a algún intérprete, director o productor; la intención no es que aquellos lean el artículo sino reflexionar sobre una situación determinada.
Temáticas: entradas que básicamente aglutinarán un pastiche de cintas y diversas y se les intentará relacionar. También entra en esta clasificación cualquier otro tipo de artículo que pueda hacer.
Quiero hacer un inciso en un tema que considero especialmente relevante, en ningún momento voy a evaluar númericamente los films analizados. Me parece un soberano simplismo reducir a una cifra el valor de un film. Sin contar las confusiones y errores a los que induciría la comparación entre por ejemplo: Blade Runner con Casablanca. Películas de distintas épocas, géneros, estilos, postulados y demás.
No veo la necesidad de que este blog sea un noticiero/revista, la razón es muy simple, hay muchisímas y muy superiores webs en la blogosfera con una infinidad de medios que yo no poseo. Entonces digamos que mi única intención es crear una página ajena a las más manidas donde podamos establecer un diálogo directisímo entre el autor y los comentaristas, además de conocer un punto de vista distinto.
